¡La charanga, esa sabrosura!

¡La charanga, esa sabrosura! La charanga tal como la conocemos, fue un proceso de maduración que partió desde la Cuba de la contradanza, la habanera, el danzón hasta llegar al son, éste es el padre de todos los movimientos musicales como la rumba (bolero son), el son montuno, el danzonete, el cha cha cha, la pachanga, la charanga y el boogaloo hasta llegar a ese popurrí conocido como “Salsa”. Hasta el más exigente clima salsero de New York. Para nada pretender dar una valoración en alguna parte de esa evolución musical, es decir, esta es mejor o superior, cada uno se ajusta a su gusto y oído del desarrollo del género. Pero bueno, ¿qué es la charanga? De acuerdo con el musicólogo Helio Orovio; en Tamargo L. (1996) “Tipo de agrupación llamada también (charanga) francesa. Surge en los primeros años del siglo XX, como derivación de la orquesta típica o de viento. Interpreta principalmente danzones, aunque a partir de la irrupción del chachachá (1951) es vehículo idóneo para este nuevo género. Originalmente estuvo formada por flauta, violín, piano, contrabajo, timbal o paila criolla, y güiro; se le ha incorporado la tumbadora, otros dos violines y tres cantantes." Ilustración 1. Linea de tiempo. Historia de la Salsa

Nota. Nicolas Ramos Gandía. Cronograma de la salsa Pero la raíz madre de la salsa es el SON, y la charanga no escapa a esta influencia, bien menciona Gandía, R. (sf) “Además, el Son ha sido interpretado por otros tipos de agrupaciones musicales tales como: Tríos, Charangas, Big Bands y Grupos Experimentales”. La charanga inicia en NY desde los años 50, sigue una maduración desde Cuba hasta New York donde se le incorporan otros instrumentos y sonidos para hacerla mas bailable y agradable al oído. Sobre el tema, Tamargo, L. (1996) comenta que el flautista cienguero Rolando Lozano (antiguo integrante de la Orquesta Aragón) ha señalado que se trata de la perfecta música bailable porque "uno puede disfrutar la música y el baile simultáneamente”. De acuerdo con Tamargo, L. (1996). La orquesta del multiinstrumentista cubano Gilberto Valdés en 1952 fue la primera charanga fundada en Nueva York, allá por el 1952. Entre sus integrantes se encontraban los percusionistas Mongo Santamaría y Willie Bobo, quienes luego llegarían a ser figuras estelares del llamado "jazz latino." El mismo autor menciona, que: “La segunda charanga estadounidense no surgió en Nueva York, sino en Chicago, donde el tumbador cubano Armando Sánchez fundó la Orquesta Nuevo Ritmo —una de las mejores charangas en la historia musical norteamericana— en 1956. Dicha charanga estelar incluyó entre sus miembros al violinista Pupi Legarreta, el flautista Rolando Lozano, el cantante Rudy Calzado y el pianista René "El Látigo" Hernández. Descarga 69

Orquesta Nuevo Ritmo de Cuba. Cortesía YouTube Alguien como Charlie Palmieri no podía perderse este nuevo ritmo, por 1958 fundó la Orquesta la Duboney, esta, de acuerdo con Tamargo, L. (1996) manifestaba sobre la charanga y su composición. “Una charanga de diez elementos que lo mismo grababa temas en español que versiones de pop estadounidense, tales como Mack The Knife y Close Your Eyes. Poseedor de una sincopada ejecución semejante a la de Noro Morales, Palmieri utilizó cuatro violines para capturar el sonido amplio (pero nunca pegajoso) de sus ídolos —la Orquesta Aragón; y la flauta del dominicano Johnny Pacheco ofrecía un contraste casi perfecto”, junto a la voz de Vitín Avilés. Tema de la Duboney

Charanga la Duboney. Cortesía YouTube Luego de Johnny Pacheco separarse de Charlie Palmieri por temas conceptuales del ritmo de la Charanga, para 1959 creo la orquesta Pacheco y su charanga en donde Pacheco era un virtuoso de la flauta dándole el ímpetu y sonoridad deseada. La melodía

Pacheco y su charanga. Cortesía YouTube El Faisan

Pacheco y su charanga. Cortesía YouTube Si algo benefició a la Charanga y también a toda la música salsa fue el régimen castrista cubano que hizo que muchos músicos valiosos emigraran hacia los Estados Unidos, entre ellos los flautistas José Fajardo, Gonzalo Fernández y Belisario López. Sus virtudes con la flauta hicieron que los americanos la incorporaran a la tradicional Charanga, dándole un volumen de virtuosidad “jazzístico” En Casa De Estanislao

Belisario López y su charanga. Cortesía YouTube En 1959 la Orquesta Sublime creó la composición que finalmente se llamaría Ritmo Pachanga La pachanga

Orquesta la Sublime. Cortesía YouTube Para los años 60’ la charanga más consolidada no solo seguía el modelo cubano, sino que lograron nuevos sonidos e incorporaron nuevos instrumentos dándole una sonoridad similar a las Big Band; “(…) ciertas charangas trascendieron los confines de la pachanga al incorporar elementos del jazz, permitiendo que el formato conceptual de flauta y violín realizara intercambios improvisadores con trompetas, trombones y saxofones”. Tamargo, L. (1996). En los 60’ en la ciudad de New York la charanga tuvo una explosión de talentos y variedad de instrumentos que conformaban la charanga, hasta el punto de que muchos confundían la Charanga con el baile la pachanga. La pachanga se baila así

Joe Quijano · Charlie Palmieri. Cortesía YouTube Otros nenes fuertes de la salsa charanguera fueron: Joe Quijano en su Conjunto Cachana integra trompetas con violines Ray Barretto en su Charanga Moderna incluye trompeta y trombón. Grandes temas como Guaguanco Bonito”, “Salsa y Dulzura” y “Watusi” entre otras. Nuevo Ritmo de Mongo Santamaría en el 1962. La Orquesta Broadway de los hermanos Zervigón en el 1962. Después de consolidarse el nuevo ritmo de la charanga, ingresaron otros duros en sus instrumentos como: el timbalero Willie Bobo y el violinista / saxofonista Chombo Silva, mientras el percusionista y director de orquesta Mongo Santamaria quien se trajo al flautista Rolando Lozano quien con el Chombo grabaron varios LP destacándose el álbum Sabroso. (Sello Fantasy, 1962) Sabroso

Mongo Santamaria y su orquesta. Cortesía YouTube Donde me dejan a otros músicos cubanos como Israel López “Cachao”, Orestes Vilató, Felo Barrios, Chombo Silva, Pupi Legarreta, José Fajardo, Gonzalo Fernández, Alfredo de la Fe, entre otros. Tamargo, L. (1996), quienes se destacaron en el mambo y el jazz. Cógele el golpe

Israel López “Cachao”. Cortesía YouTube En esta época de los 70’ aparecieron lo que Díaz Ayala llamó “las charangas salseras”, aparecen las trompetas, flautas y cualquier instrumento que valorice cualquier género como el son montuno, guaracha, guaguancó, chachachá, entre otros y el ritmo puertorriqueños (bomba y plena), además del merengue dominicano. Tamargo, L. (1996). Tomaron fuerza con el ritmo de músicos cubanos con credenciales charangueras Israel López “Cachao”, Orestes Vilató, Felo Barrios, Chombo Silva, Pupi Legarreta, José Fajardo, Gonzalo Fernández, Alfredo de la Fé, entre otros. Tamargo, L. (1996). Yo soy el guaguancó

Pupi y su Charanga. Cortesía YouTube En esa época la Típica Novel quien también se adapto al ambiente salsero, incorporó “el cencerro característico del formato de conjunto”, la Caranga 76 con sus cantantes Hansel y Raúl impuso su estilo característico de la charanga con estilo romántico, este estilo lo llevó a los años 80’ donde los cantantes de salsa romántica hacían su agosto y las bandas y conjuntos habían perdido su peso musical. Llegó la charanga

Típica Novel. Cortesía YouTube Otras bandas significativas fueron la Orquesta Boadway con Eddy Zervigón quien mas adelante desintegraría la banda dando origen a la típica ideal bajo la dirección del pianista Gil Suárez y el ímpetu de Chombo Silva. Voy

Orquesta Broadway. Cortesía YouTube La Típica '73, una especie híbrido entre la charanga y el conjunto, constituyó el vehículo principal del mencionado proceso de asimilación estilística. Tamargo, L. (1996). Descarga 73

Típica 73. Cortesía YouTube En los 80’ en adelante, Tamargo, L. (1996). “Nueva York dejó de ser precisamente el epicentro de la charanga en los Estados Unidos debido a la decadencia del ambiente salsero y el éxodo de numerosos músicos con credenciales charangueras (Alfredo de la Fe, Néstor Torres, Orestes Vilató, Cachao, Roberto Torres, entre otros.) a Miami y otras comarcas del planeta”. Con seguridad se me quedaron algunas orquestas charangueras, pero podemos actualizar el escrito. Guia bibliografica https://www.youtube.com/watch?v=y1vgpXb2664&list=PL0LeaI4W7Oc_rnFg2CJ_YKR1VkVegJqmD&index=2 Nicolás Ramos Gandía. Herencia Latina. 1998 Herencia Latina. http://www.herencialatina.com/Desarrollo_de_la_Charanga/Desarrollo_de_la_Charanga.htm

Apuntes y notas de Maelo El Sonero Mayor. ¡Ecua Jei!

La intención de este escrito de apuntes y notas es mantener vivo ese respeto por el sonero mayor y las personas que se dedican a escribir y mantener vivo ese inmenso legado que nos dejó Ismael rivera, no se trata por supuesto de hacer su biografía, para eso hay estudios muy completos, pero resaltemos algo apoyado en las búsquedas. El hombre, entre lo escarbado en las referencias bibliográficas de muchacho se rebuscaba como lustrador de zapatos, trabajo en la construcción, un trabajo que muchos jóvenes de bajos estratos en Latinoamérica hace, aún hoy, se le llama “(…) hago lo que sea”. Le gustaba la rumba (Y que salsero no lo es) y amante del canto, ese canto en su típico lenguaje del barrio, que se reflejó en sus canciones y se acepto en el mundo.

Nota: Tomado de www.batanga.com Don Ismael tuvo su cuarto de hora (Y bien larga hasta su desaparición) en la década de los 50’ en los que los principales referentes eran la música cubana con el son, el cha cha y el mambo, mientras en Puertorro “Ritmo y sabor … Plena, la bomba y la guaracha (cubana), ocasionalmente el calipso” Ramos (SF. Pág. 16). Mientras en New York imponían su ritmo las charangas y las Big Band. Ramos (SF. Pág. 16) “Si yo llego a saber que Perico era sordo, yo paro el tren”. “Óyeme Maricuini, que si yo llego a saber que perico era sordo paro el tren Y no mango a perico.” “Si yo llego a saber que Perico era sordo, yo paro el tren”. “Perico, perico, perico, perico, perico estaba comiendo caña en la vía y no vio el Tren, el pobre perico.” Cortijo y su Combo con Ismael Rivera. Tomado del libro de Nicolas Ramos Gandía Aun cuando venía cantando a manera informal cuando pelao, (me perdonan la palabra), “En 1948 Ismael Rivera se integró como bongosero al Conjunto Monterrey de Monchito Muley” Téllez (2016. P 7). Pero su inicio como cantante fue a través de recomendación de su compadre Rafael Cortijo con quien era su amigo desde niño, en la Orquesta Panamericana del saxofonista y director orquestal Ángel Rafael “Lito” Peña Plaza. Ahí tuvo éxito interpretando el Charlatán de Toñín Romero. EL CHARLATÁN. ORQUESTA PANAMERICANA

Nota: YouTube. Nota: YouTube. Pero con Cortijo y su Combo graba su primera canción “el bombón de Elena” una magnifica plena de Rafael Cepeda (Figueroa, 1992 en Ramos (SF), todavía con la Orquesta Panamericana, pero casi de salida CORTIJO Y SU COMBO - EL BOMBÓN DE ELENA (PLENA)

Nota: YouTube. The Orchard Music, INgrooves (en representación de Ansonia Records); SODRAC, LatinAutor, UNIAO BRASILEIRA DE EDITORAS DE MUSICA - UBEM, ASCAP, UMPG Publishing, LatinAutor - UMPG ELa genialidad cantautora de Maelo estribaba en “el dominio absoluto e instintivo de la clave, uso extenso de la polirritmia y una capacidad para improvisar” Ramos (SF. Pág. 17) La infaltable en navidad, en los diciembres eternos del Caribe. Bomba en Navidad

YouTube. Fania Records. El venezolano salsero y escritor Cesar Miguel Rendon llama a Ismael Rivera como el sonero mayor a Ismael rivera cuando dice “…el soneo salsero no puede menos que definirse con relación a Ismael, en función de él, porque fue él quien lo perfiló y proyectó sus posibilidades más contundentes”. Rendon (2017) La frustración y desesperación manifestadas en "El Incomprendido" ISMAEL RIVERA- EL INCOMPRENDIDO

Nota: YouTube Para el año 1975 los solistas de moda fueron la diosa de la salsa Celia Cruz, Ismael Miranda, Héctor Lavoe, Ismael Quintana, Cheo Feliciano y el duro Ismael Rivera el “manda más”. ISMAEL RIVERA Y LA FANIA ALL STAR – BILONGO

Nota: YouTube. DJ. Ramiro El rumbero FANIA ALL STARS ISMAEL RIVERA - EL NAZARENO

Nota: YouTube. Fania all stars live with Ismael Rivera 1978 Johnny Pacheco, Louie Ramírez, Papo Lucca. Según Luis Bonet Rivera & Graciela Rodríguez Martinó prólogo del libro de Rafael Figueroa. El sonero mayor. Ismael Rivera, más que sentar una pauta en la década de los 50, junto a su compadre y gran músico, Rafael Cortijo, tuvo la sabiduría de conjugar toda una gama músico-existencial que le caracterizó como filósofo de vida, filósofo de calle. (Ismael Rivera El sonero mayor). Figueroa (2002) Ismael Rivera, el orgullo de pertenecer a su raza, elocuentemente expresado en “Las caras lindas” ISMAEL RIVERA - ENTIERRO A LA MODA con Kako y su Orquesta

Nota: YouTube. Kako y su Orquesta Sus frases favoritas que expresan en sus cantos: Ecua-Jei" y el "Echa Caldo" Sin embargo, ahí están los soneos, los ritmos, coros e improvisaciones de piezas tan conocidas como "Maquinolandera" y "El bombón de Elena" retando la transcripción musical académica. Figueroa (2002). Figueroa confirma lo que el pueblo con su gusto y su oído había certificado: la condición de Sonero Mayor de Ismael Rivera y su estilo libre, innovador y sólido. ISMAEL RIVERA - CON TODOS LOS HIERROS

Nota: YouTube. ISMAEL RIVERA - ESTO FUE LO QUE TRAJO EL BARCO https://www.youtube.com/watch?v=GQSqIQUsr6I&list=PLrlRRuKohTAuRMwSrtQLHzY7atyiz937O Nota: YouTube Hasta aquí, Ecua Jei! Referencia bibliográfica. Rondón, Cesar Miguel. (2017). El libro de la Salsa. Crónica de la música del Caribe urbano. 1ª Edición. Turner Publicaciones Téllez Moreno, Robert. (2016). Ismael Rivera. El eterno sonero mayor. Figueroa Hernández, Rafael. (2002). Ismael Rivera. El sonero mayor. Instituto de la Cultura Puertorriqueña. 2da Edición. Quintero Angel. (1998). Salsa, sabor y control. https://books.google.es/books?hl=es&lr=&id=BPoZWWucsNgC&oi=fnd&pg=PA7&dq=musica+salsa&ots=5awhAHMjFf&sig=nt_9BWqFQ3ZMLn_w-kjenHs7TKQ#v=onepage&q=musica%20salsa&f=false

Llegó la salsa caliente del Japón.

Por Javier Martínez Pérez

30/12/2020.

Cuando las grandes orquestas y grupos musicales estaban desapareciendo, de repente llegó del oriente Nora y su gente con su sabor latino y fue como una bengala que iluminó el cielo de la salsa e hizo vibrar al latino. Y arranco con la siguiente estrofa.

 

Arte original lanzada por el sello RMM y BMG Victor en 1990.

“Déjame presentar al grupo mío:

todos los miembros son chéveres,

aunque ellos son todos japoneses,

pero tocan la salsa sabrosa”.

Fue en 1990 que el productor nacido en Brooklyn Ralph Mercado conocido como "el empresario que llevó la Salsa de Nueva York al mundo" por la revista Billboard, quien los ingresó al mundo de la salsa latina cuando les produjo en Japón a través de Sergio George en una maratónica carrera de producción conocida con “La salsa caliente del Japón”, entre otras su primera producción y quien les produjo otras grabaciones.

16th New York Salsa Festival) - Orquesta De La Luz

Y Nora presentó su música de las raíces latinas inspiradas en el Gran Combo de Puerto rico, Willie Rosario “El Rey del Ritmo”, la Sonora Ponceña, y las Estrellas de Fania All Star, ellos manifestaron que escuchaban sus grabaciones y videos y aprendieron a interpretar su música. “Nos metimos al estudio y escuchando la música de éstos y otros grupos aprendimos a hacer salsa”. Primera hora, 2012.

“Voy a presentarles la Orquesta de la Luz.

Oye esta rica salsa, nuestro ambiente musical.

Salsa caliente del Japón, quiero que tú bailes conmigo.

Si te gusta, seguimos, seguimos tocando este ritmo.

Voy a presentarles la Orquesta de la Luz.

Oye esta rica salsa, nuestro ambiente musical”.

 

Nuestros respetados invitados aparecieron en Puerto Rico y se hicieron famosos en todos los países latinos amantes de la salsa, estamos hablando de la agrupación japonesa La orquesta de la luz y la vocalista Nora Suzuki y sus integrantes japones e inmigrantes latinos. Cabe destacar que tanto Nora Suzuki con el resto de sus integrantes no hablaban español, se aprendieron la fonética de las canciones y las desarrollaron de manera magistral, era la fiebre de la salsa.

 

Descarga de La Luz - Orquesta de La Luz Live at Huis Ten Bosch Jazz Festival 1992 Nagasaki, Japan

 

La Orquesta de la Luz inició en Japón desde 1984 organizada por Nora la vocalista y Gem Ogimi, en la que en sus actuaciones repetía de manera fonética y memorísticas sus letras hasta llegar a oídos de Ralphie quien se interesó por sus interpretaciones, a esta época la música salsa tal como la conocemos estaba en declive, imponiéndose el merengue y la salsa romántica. Pero la salsa no tiene fronteras, ni barreras, ahí estaba la Luz. 

Nora, la vocalista de la Orquesta de la Luz, visitó los estudios de Tu Nueva Radio Ya como parte de su gira como embajadora de buena voluntad de la Cooperación Japonesa en Nicaragua.

Etsuko Suzuki, conocida artísticamente como Nora, vocalista de la Orquesta de la Luz/. 2015

Citando el escrito realizado por COMUNICKANDA, de acuerdo con el investigador Shūhei Hosokawa, “el éxito de la Orquesta de la Luz se asocia a ciertas características de la identidad japonesa moderna: por un lado, respetar profundamente el modelo a imitar, los cánones tradicionales; por otra parte, a falta de la identidad y las raíces latinas, buscar la perfección y la excelencia, a través de la práctica y la repetición, La Orquesta de la Luz buscó imitar a la perfección a los grandes salseros. Han preferido ser exóticos por su apariencia, no por sus sonidos. Es decir, prefieren ser vistos como los japoneses extraños que hacen salsa auténtica”.

Foto tomada de: https://viniloblog.com/wp-content/uploads/2020/06/orquesta-de-la-luz-lineup.jpg

 

Para que gocen rumberos.

 

Su producción musical fue de “más de diez discos y numerosas giras mundiales avalan su trayectoria”. Luego produjeron otros estilos de música como baladas y jazz, pero no sin éxito.

 

Su primer álbum tenía los temas:

1.    Salsa caliente del Japón

2.    Solo un juego

3.    Tu eres el hombre

4.    Tú me llenas

5.    Salsa es mi energía

6.    Acaba ya

7.    Tanto te ame

8.    Cuero sonó

9.    No me lleves contigo

10. There’s nothing better than love

 

 Su mayor éxito es Salsa Caliente del Japón con la que abrían sus conciertos y con las que animaban el evento (diría enloquecían), pegaron otro ritmo como Cuero Sono un tema que hace alarde de la descarga de la orquesta, para 1992 lanzan la composición “Descarga de la Luz” en la que también participa Tito Puente en los timbales. Mas tarde surgieron otros éxitos “Tú me llenas”, “No me lleves contigo”, “Sin fronteras”, “I’m a piano” “Somos diferentes” y “Sabor” entre los mas exitosos.

 

 

ORQUESTA DE LA LUZ - CUERO SONO

 

La agrupación musical terminó separándose en 1999 y Nora, la vocalista del grupo, volvió a cantar salsa como solista. En años recientes, la orquesta se ha reagrupado, con algunos cambios, y sigue manteniendo una imagen prestigiosa en Japón, gracias al éxito que ganó en todo el mundo.

 

 

Referencias bibliográficas.

https://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_de_la_Luz

https://www.vagalume.com.br/orquesta-de-la-luz/salsa-caliente-del-japon.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Ralph_Mercado

https://www.primerahora.com/entretenimiento/musica/notas/orquesta-de-la-luz-la-salsa-que-vino-del-japon/

https://www.infonortedigital.com/portada/n-vivo/item/55546-n-vivo-propone-orquesta-la-luz-salsa-caliente-del-japon

https://comunickanda.wordpress.com/2013/01/20/en-este-dia-de-la-musica-japoneses-con-alma-latina/

https://viniloblog.com/salsa-caliente-del-japon-30-anos-orquesta-la-luz/

https://www.discogs.com/Orquesta-De-La-Luz-Salsa-Caliente-Del-Japon-Hot-Salsa-From-Japan/release/5029319

https://otto10.fr/Orquesta-De/Salsa-Caliente-Del-Jap%C3%B3n/3224

El poderoso Boogaloo de los 60”

Con seguridad la época más prolífica de la música latina, hoy en día conocida como la música salsa se desarrolló en los años 60’, en esto influyó mucho dos corrientes (cubana y puertorriqueña) que unida a los sonidos neoyorquinos como el jazz, el rhythm, el blue, el soul, rock and roll entre otros, se transformaron en diversos ritmos musicales inspirados en ritmos como el mambo, la charanga y la pachanga; y ritmos como la bomba, la plena. Una de estos híbridos musicales fue el BOOGALOO.

VIDEO1 https://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=EYxoAJ3Boyc

Inicialmente el ritmo surgió apoyado en un estilo con influencia americana, la música que se vendía era en inglés, posteriormente la influencia latina que tomo mucha fuerza en las calles del Bronx. De acuerdo a Herencia Latina el “(…) en el sector del Harlem Hispano o el “Barrio” donde la primera generación de jóvenes puertorriqueños nacidos en la ciudad de Nueva York o la tercera generación de Boricuas asentada allí, gestó el maravilloso ritmo musical llamado Latin Boogaloo”.

VIDEO2 https://www.youtube.com/watch?v=o94ONWhKwX4

A partir de 1965 los afroamericanos, que mandaban la parada en New York, fueron “(…) arrollados por la música de Pucho Brown y sus Latin Soul Brother, también por bandas especializadas en música latina como la de Pete Rodríguez, Joe Cuba y Johnny Colón; sin embargo es al trompetista, compositor y arreglista Tony Pabón a quien se le señala que fue el primero en agregarle el tinte latino (soul) a la música Boogaloo de los Afro Americanos, cuando compuso Pete’s Boogaloo para Pete Rodríguez (Salazar 1977)”. Herencia Latina. Esto inspirado en la música de Peggy Lee cantando “Fever”. Con esto Tony Pabón escribió una canción inspirada por las líneas del bajo de “Fever” y la llamé “Pete’s Boogaloo”

VIDEO3 https://www.youtube.com/watch?v=Ub9JkWagHnk

Pete “el Conde” Rodríguez y su Orquesta la Magnifica es considerado el Rey del Boogaloo, gestor de importantes y recordadas canciones inmortales como: El éxito Micaela, I like it like that, Three and one, El Samaritano, entre otros.

VIDEO4 https://www.youtube.com/watch?v=uWkiUljVFG8

El jala jala de Richie Ray & Bobbie Cruz en 1965, es una combinación de Jazz, Swing, Chachachá, música clásica y hasta notas de los Beatles, “Latín Boogaloo”. Jhonny Colon otro exponente del boogaloo, apareció con Boogaloo Blues; “Boogaloo 67”, “Move Over”, “Portrait of Johnny”, “Caliente de vicio” y “Tierra va a temblar”, entre otros.

VIDEO5 https://www.youtube.com/watch?v=qXQm-QzJ7ig
VIDEO6 https://www.youtube.com/watch?v=z7so51MXyYo

Frankie Nieves el terrible del boogaloo. Exitos In the middle of the night – Work it out. Orquesta Miramar, éxitos The Latin Souls, Boo-ga-loo and Shing- a- ling.

VIDEO7 https://www.youtube.com/watch?v=_ybwiaWHIxY

Willie Rosario y su orquesta con Watusi Boogaloo, a taste honey boogaloo, maina, chenchere guma, percusionista puertorriqueño con un gran recorrido por el Bronx, se distinguió por sus excelentes boogaloo y guaguancós.

VIDEO8 https://www.youtube.com/watch?v=ZDBhrVVD5Wg
Tabla 1. Exponentes del Boogaloo latino
AÑO TEMA GRUPO 1999 Carruseles Sonora Carruseles 1997 Fiebre Boogaloo La misma gente 1998 Micaela Sonora Carruseles 1998 Mosaico Boogaloo Sonora Carruseles 2004 Tremendo Booglaoo Sonora Carruseles Al Watusi Ray Barreto Por si acaso no regreso Celia Cruz 2002 Boogaloo pa gozar Sonora Carruseles 1968 Ay que rico Eddie Palmieri 1968 Tin Marin Richie Ray 1968 Subway Joe Joe Batan 1967 Boogaloo Blues Johnny Colon 1966 I like it Like That Pete Rodriguez 1980 Esposa y una querida Hermanos Lebron 1971 Che Manía Hermanos Lebron 1967 Micaela Pete Rodriguez 1969 Salsa y control Hermanos Lebron 2008 Tiahuanaco Alfredito Linares 1968 Salsa Boogaloo Sexteto Miramar A La La E Pete Terance Estos son exponentes latinos que le dieron realce al Boogaloo y que hacen parte de la historia de la música salsa. Pendiente de edición.

Cantantes de la Fania all Star y sus estilos

En la segunda aparición de las Estrellas de Fania en 1971 estas tenían a “Johnny Pacheco como director musical, Ray Barretto en la tumbadora, Larry Harlow en el piano, Willie Colón en el trombón, Bobby Valentín en el bajo, Roberto Roena en el bongó. Como invitados especiales Ricardo Ray y Bobby Cruz, músicos que ingresaron a la Fania a principios de los años 70 con gran agarre en el público neoyorquino. Como vemos, las Estrellas de Fania tenían su base principalmente en los líderes de las bandas más importantes de la compañía en ese momento y sus respectivos cantantes Pete El Conde Rodríguez, Adalberto Santiago, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Santos Colón y Cheo Feliciano” Ramos (1975).

Lo excelente que tenía la Fania es un grupo de cantantes con experticias y ritmos de diferentes estilos de la salsa en su momento, veamos lo que menciona Ramos Gandía en su artículo.

·   Adalberto Santiago y el Pete “El Conde” Rodríguez, cantantes muy identificados con la tradición sonera y charanguera de Cuba en Nueva York por sus trabajos en las Charangas de Barretto y Pacheco respectivamente y luego en las orquestas tipo Conjunto o Sonora de estos mismos músicos a mediados y fines del 60. 

Quítate la máscara - Adalberto Santiago - Ray Barreto

Adalberto Santiago Con La Fania Descarga Fania Película Our Latin Thing 1971.

·     Ismael Miranda y Héctor Lavoe, eran los novatos, los soneros jóvenes que expresaban su conexión directa con el barrio, en sus estilos de soneo malandro y callejero. 

Abran Paso Live - Ismael Miranda "Our Latin Thing".

Hector Lavoe, HD, Mi Gente, con la Fania All Stars , en vivo, Zaire, África 1974.

·         Santitos Colon y Cheo Feliciano, eran cantantes solistas que venían de la tradición musical caribeña en Nueva York. Colón fue cantante de la Orquesta de Tito Puente desde fines del 50 hasta principios del 70, con todo el bagaje musical que eso significaba. Por su parte, Feliciano fue el imprescindible cantante del fiero Sexteto de Joe Cuba que a mediados del 60 arrasó en Nueva York. Santos Colón, a pesar de ser un cantante curtido en los ritmos caribeños, se notó en esta grabación un poco perdido y sin fuerza en sus soneos. Por su lado, Cheo Feliciano, que era sin duda el mejor cantante que tenía la Fania, en ese momento, logró un soneo arrollador y elocuente en el número Anacaona y estuvo impecable en los otros temas que participó. 

FANIA ALL STARS - DIME (CANTA - SANTOS COLON).

FANIA ALL STARS, HD, El Ratón, Cheo Feliciano, Jorge Santana en vivo.

Bibliografía.

Ramos Gandía, Nicolás. (Sf). Historia de la salsa, desde las raíces hasta 1975.

EDDIE PALMIERI: EL ÚLTIMO DE LOS MOHICANOS DE LA SALSA BRAVA.

Hablar de la música salsa es hacerlo de historia, del pasado, pero también del presente y de futuro del género. Me atrevo a tocar un icono de la música salsa que tiene las características anteriores.Como su hermano Charlie es también un “rompeteclas”, el señor Eduardo Palmieri del Bronx (NY), mejor conocido como Eddie Palmieri. Eddie en su palmarés alberga 5 premios Grammy de la música latina y en su recorrido por la salsa brava, jazz y blues ha sido productor, arreglista, compositor y director de orquesta.

Ismael Quintana Con Eddie Palmieri y Charlie Ajiaco Caliente en Espectaculares Jes Colombia

Hoy día Eddie Palmieri (no digo el Gran Eddie porque sería un pleonasmo, es grande) se encuentra retirado como octogenario neoyorquino, su última producción discográfica el álbum “Listen Here. 2005” puro jazz latino que le entregó su último Grammy.

Muñeca Eddie Palmieri. YouTube

Eddie siendo un americano de ascendencia puertorriqueña, le influyó mucho la música cubana (Especialmente de Felix Chappotin) y obviamente sus raíces de Puerto Rico, pero también el jazz y el blue y en su música siempre pensaban en lo diferente, en lo más allá de la música. Esto es explicable porque fue en NY donde se concentró el mundo de la música latina.

Mientras las Big Band tocaban para los grandes clubes y lo que ellos imponían, él buscaba en los instrumentos musicales mezclas y notas que superaran lo existente. Miren lo que dice Alejandro Ulloa en sus notas “los trombones asumieron el liderazgo melódico en la salsa; el sonido desgarrado, grave y disonante de sus notas, era la marca distintiva para expresar una atmósfera emergente: la pobreza y la agresividad de la calle, la fe que no se pierde, la esperanza en un mañana mejor. En medio de los formatos convencionales de las charangas y las Big Bands – escribe Rondón – «Apareció La perfecta… Por primera vez, los trombones utilizados como sección aislada, entraban a sonar en el mundo latino de Nueva York”. Las demás bandas utilizaban los trombones en sus orquestas, pero Eddie le dio la relevancia y el sonido no buscado en ese instrumento.

Continua Ulloa refiriéndose a Rondón en su Libro de la Salsa “«Eddie los arreglaba de tal manera que siempre sonaban agrios, con una ronquera particularmente agresiva. En ningún momento ellos respondían a las funciones convencionales establecidas por el jazz - band; eran tan sólo una escuálida sección de apenas dos trombones, y ellos por ninguna circunstancia podrían reproducir aquellos edificios sonoros que hacían las grandes orquestas a la hora del mambo. Y esta diferencia ya afectó con fuerza el oído del melómano: la música dejaba de ser ostentosa para volverse aguerrida, ya no había pompa sino violencia; la cosa, definitivamente, era distinta...» - concluye César Rondón - (1980: 20 – 25).

Cabe aclarar que Eddie no era el único que utilizaba trombones, su uso se fue masificando, con el fin de las Big Band aparecían sonidos nuevos, frescos y diferentes; miren el caso de Cortijo y su Combo con Ismael Rivera, eso si todos anclados en el son cubano, con variantes pero con el son cubano. A Eddie lo diferencia es ese sonido que le imprimió a la combinaciones de trompetas con trombones y luego de trombones con flautas y después incluida guitarras y otras, dando como resultado la música que tenemos hoy en el legado de Eddie Palmieri el último de los mohicanos de la salsa brava y su corriente en el jazz latino.

Sin embargo en entrevista a Eddie Palmieri en la segunda edición del Salsa & Latín Jazz Festival en Barcelona en 2012, manifestó a la pregunta del futuro de la salsa. 

J.L.P: ¿Cómo ves el panorama actual de la salsa y el jazz latino?

E.P: Veo el futuro del jazz latino con un lente muy positivo. Estoy viendo músicos jóvenes que vienen de todas partes del mundo que están fascinados por los principios básicos rítmicos que hacen que sea muy emocionante. Muchos aprendieron estos principios directamente de los cubanos que viajaron con sus orquestas en los años 1960 y 70. El único problema es que no tenemos la promoción o la radio comercial para apoyar nuestra música. Los músicos jóvenes saben que es la dirección, que escuchan lo que se hace por un enorme número de artistas que se registran muy, muy bien. La fusión es realmente la palabra del futuro y creo que es muy saludable.

Javier Martinez Pérez.

Guía bibliográfica y cibergráfica.
http://www.nosolocine.net/entrevista-a-eddie-palmieri-en-exclusiva-uno-de-los-grandes-pianistas-un-innovador-del-sonido-latino-actuara-en-barcelona-el-proximo-sabado-21-de-julio-en-la-segunda-edicion-del-salsa-latin-jazz/

Rondón, Cesar  Miguel. Salsa Crónica de la muisca del caribe. 2007.        

Ulloa, Alejandro. La Salsa: Una memoria histórico musical.

Nelson Planas. Eddie Palmieri: Simbiosis de Ritmos y Armonías.2005.

ROBERTO FAZ - SONEROS FAMOSOS DE LA SALSA.

“El son es lo más sublime para el alma divertir se debería de morir quien por bueno no lo estime”.

Ignacio Piñeiro

Cuba cuna indiscutible del son, de Santiago y de la región montañosa de Sierra Maestra, sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX, y se le atribuye al intérprete de origen haitiano Nene Manfugás quien ejecutaba un instrumento de tres cuerdas dobles conocido hoy como el tres, y quien hoy es el símbolo del son. Es importante mencionar que según autores, las raíces del son provienen del changüí quien es originario del oriente cubano.

Según Nicolás Ramón Gandía (1998) en su escrito señala sobre los instrumentos que utiliza el son; “Los instrumentos originales del Son fueron: el tres y la guitarra como una manifestación concreta de la cultura hispana, el bongó aportó la concepción de la interpretación politímbrica que se desprende de sus múltiples formas de ejecución, las maracas y la clave normalmente ejecutadas por el cantante ("Sin clave no hay Son") y, finalmente, la marímbula y la botija que fueron sustituidas por el contrabajo en los predios urbanos”. 

A principios del siglo xx el son se propagó por toda Cuba iniciando un desarrollo evolutivo del son, se organizaban en tríos, cuartetos, sextetos, septetos y luego por orquestas que provenían de las zonas rurales, el más famoso fue el Cuarteto Oriental,  aparecieron otros géneros musicales en Cuba como la rumba, el changüí, el danzón con todas sus variantes.

En esta serie de artículos sobre el son, resaltaré famosos intérpretes que con su canto han contribuido a engrandecer este género musical cubano que más ha influido en la música salsa.

ROBERTO FAZ

Nació en el municipio habanero de Regla en 1914, en el seno de una familia humilde. Con apenas trece años, empezó como vocalista en el sexteto Champán Sport en Guanabacoa.

Probó suerte en distintos grupos hasta que en 1930 es integrado a la 'Orquesta Ultramar, dirigida por su padre. No obstante, en esa época, tuvo que dedicarse también a otros oficios como camarero y conductor de autobús.

En mayo de 1944 se integró en el popular Conjunto Casino dirigido por Roberto Espí. En conjunción con la voz de Agustín Ribot, realizaron múltiples grabaciones y giras por el Caribe y México. 

En 1956, ya consagrado como sonero mayor, formó su orquesta: Roberto Faz y su conjunto. Este grupo compuesto por unos once músicos contaba con una sección de cuatro trompetas, apegada a la tradición de conjuntos al estilo de Arsenio Rodríguez.

En 1957, compartió escenario con Benny Moré en el cabaret Alí Bar, encuentro del que se conserva una legendaria foto. 

Algunos de sus temas más populares son "Píntate los Labios María", "El pregón de la montaña", "El retozón", "Suena tu bongó", "Oiga compadre" y "Te traigo mí son". En su momento fue el “Cantante de los cantantes”, murió en la Habana el 26 de abril de 1966.

http://www.noti-salsa.com/Articulos/Archivo/NRG/Son.htm 

https://es.wikipedia.org/wiki/Son_cubano

https://es.wikipedia.org/wiki/Roberto_Faz

http://www.herencialatina.com/Roberto_Faz/Roberto%20Faz%20Monzon.htm